История электронной музыки в 50 записях | Часть 1

Осветить мир электронной музыки в 50 ключевых релизах казалось отличной идеей на этапе собственно задумки. И она быстро обернулась всепожирающим монстром. Даже если бы мы могли включить каждую запись из нашего длинного списка (а он был очень длинным), всё равно там бы много чего не доставало. И даже если бы мы включили каждую запись, которую когда-либо слышали авторы Electronic Music, мы знаем, что наши читатели указали бы на явные упущения («Я не могу поверить, что вы ни словом не обмолвились о самом главном альбоме K-2 ‘Why’ 1980 года, я думаю, что вас не волнует электронная музыка коммунистической Югославии», и так далее).

Самым сложным было не включать те записи, рассказывающие об истории электронной музыки не менее убедительно. Так что эти 50 релизов – результат большой работы. Мы составляли список, ломали голову, постоянно сомневались, шли на компромиссы и конфронтации, засиживались допоздна. Это только один способ восприятия истории электронной музыки, который не включает Ussachevsky, Raymond Scott или Berangere Maximin или…вы поняли идею.

Изобретатели: Движение технологии к будущему.
Текст: Марк Роланд

Несмотря на то, что эту композицию сочинил Леннон, именно Маккартни в то время сильно заинтересовался деятельностью Студии Электронной Музыки в Кёльне (Cologne Electronic Music Studio), где Штокхаузен использовал электронику и ленты для создания новой интеллектуальной экспериментальной музыки. В то время как Леннон употреблял ЛСД в своем особняке в Уэйбридже, погружаясь всё глубже в себя и жалея о дне, когда он женился и решил жить в пригороде, Маккартни находился в самом центре свингующего Лондона, общаясь с такими людьми как Барри Майлз, совладельцем Indica Gallery и надёжным человеком для развивающейся лондонской сцены контркультуры.

Майлз познакомил Маккартни с музыкой Штокхаузена, а позже стал главой подразделения Apple Corp Zapple, где был выпущен Electronic Sound Джорджа Харрисона, тем самым замкнув этот электронный круг. Маккартни, восхищенный тем, что открыл для себя электронную музыку, побудил своих соратников по Beatles создать ленточные петли, играющие важную роль в Tomorrow Never Knows. Лупы и дроуны (гул), вдохновленные индийской рагой и напоминающие работы Ла Монте Янга, а также другие студийные приемы, такие как жёстко скомпрессированные ударные и эффект «Leslie Cabinet», применённый на голосе Леннона, делают Tomorrow Never Knows поворотным моментом в истории поп музыки.

«Когда я создал свои первые лупы, это был гул!» — говорил Маккартни журналу Wired в 2011. «Когда я принес их в студию, Джон уже сочинил композицию под названием Tomorrow Never Knows, которой не хватало соло…И что могло подойти лучше, чем эти сумасшедшие вещи, которые я создал?»

Это было примерно в то время, когда Маккартни посетил электронную студию Петра Зиновьева в его саду в Патни (позже Макка неточно вспоминал это как визит в (BBC) Radiophonic Workshop), где он увидел множество осцилляторов, фильтров и студийных магнитофонов, принадлежащих Делии Дебошир (Delia Derbyshire), которая сотрудничала с Зиновьевым и своим другом Брайаном Ходжсоном в проекте Unit Delta Plus. Unit Delta Plus поработали с The Beatles (и снова Маккартни руководил проектом) над парой пленочных записей для Million Volt Light и Sound Rave в начале 1967. Одна часть, Carnival Of Light — это легендарная часть фольклора Beatles, которая до сих пор не выпущена. Зиновьев создал синтезаторную компанию EMS и подарил миру VCS3, синтезатор, который полюбили Pink Floyd, Брайан Ино, Conrad Schnitzler и им подобные, в то время как Пол и The Beatles продолжили свои звуковые исследования.

Один из первых релизов, где использовался синтезатор Moog, альбом ‘The Trip’ был саундтреком к одноимённому фильму Роджера Кормана, вдохновлённому ЛСД. The Electric Flag были блюз рок группой, которую наняли в короткий срок записать блюз-рок-трип композиции для малобюджетного фильма Кормана.

Лидер группы, Майк Блумфилд, нанял Пола Бивера (Paul Beaver) добавить текстуры Moog в пару композиций, и в итоге этот саундтрек затмил сам фильм. Хотя всего два трека включали в себя работу Бивера, прото-краутрок номер Flash, Bam, Pow и Fine Jung Thing, альбом является вехой в электронной музыке.

Выпустив альбом Revolver, оказавшийся на вершине чартов, и прекратив концертную деятельность (финальный концерт состоялся в Сан-Франциско 29 августа 1966 года), группа немедленно приступила к работе над следующим музыкальным заявлением. Вначале был записан сингл, включающий Penny Lane Пола и Strawberry Fields Forever Джона, где мечтательное интро на Меллотроне в Strawberry Fields Forever и плёнки, прокрученные задом-наперед, использовались для усиления ритма и придания чувства одурманенности; а затем всё затухало, чтобы вернуться с лупом флейты, звучащим поверх псевдо-военного ритма Ринго, и бездушным голосом, провозглашающим слова «клюквенный соус! (cranberry sauce!)» (или «Пол мёртв!» (Paul is dead!), если вы были глуховатым, обкуренным и повернутым на теориях заговоров).

Сингл был выпущен в феврале 1967, и он подготовил публику к тому, что будет дальше.

Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band» взял за стартовую точку Tomorrow Never Knows и двинулся в неизведанные звуковые территории, дав на выходе впечатляющий результат. The Beatles взяли много приёмов из «конкретной музыки» и внедрили в поп альбом. На обложке была изображена подсказка: одним из персонажей был Штокхаузен, которого выбрал Пол (верхний ряд, пятый слева).

В песнях использовались различные звуковые эффекты, например, звук толпы на Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, парового органа и ярмарочной шарманки в Being For The Benefit Of Mr. Kite, звуки животных в Good Morning, Good Morning. Звуку затухающего оркестрового аккорда отдано центральное место в конце венчающей альбом песни A Day In The Life, и альбом заканчивается нечленораздельным пением.

Этот фрагмент, возможно, самый известный элемент конкретной музыки, более успешный и удивительный, чем 8-минутная композиция со следующего альбома 1968 года The Beatles (более известного как The White Album), часто пропускаемая и критикуемая Revolution 9, которая в-основном была создана Ленноном и Йоко Оно, с небольшим вкладом Харрисона. The Beatles доминировали в 1960х, исследуя и определяя новые возможности поп музыки. Никто не делал свою способность к созданию рискованных и авантюрных звуков такой популярной.

The Monkees использовали Moog в поп-композициях за два года до того, как Джордж Харрисон сделал это со своим Moog Modular в ‘Abbey Road’. И снова был позван Пол Бивер, чтобы помочь сделать ‘Daily Nightly’ и ‘Star Collector’ более ‘электронно-причудливыми’. Боагодаря популярности группы этот альбом сделал больше, чем кто-либо для того, чтобы представить электронную музыку широкой публике.

В 1967 году Роберт Муг встретил Венди Карлос, инженера звукозаписывающей студии в Нью-Йорке, которая должна была стать одним из первых и ценных его клиентов и могла дать важные советы по улучшению и модернизации. С помощью синтезаторов Moog у Карлос не заняло много времени создать виртуозное синтезаторное творение.

Несмотря на то, CBS не знали, что представлял из себя ‘Switched-on Bach’, и поначалу у них с Карлос были разногласия, альбом имел огромный успех, и его продажи составляют свыше миллиона копий.

Карлос продолжила записывать синтезаторные альбомы классической музыки, а в 1971 записала саундтрек к фильму Стэнли Кубрика Заводной Апельсин, который отображал более тёмное будущее для популярной электронной музыки. Этот саундтрек к культовому фильму содержал странные и тревожные электронные композиции, такие как композиция Карлос Timesteps или её переработка Бетховена для Theme From A Clockwork Orange. Она также переработала его 4 часть Симфонии №9 (которую Kraftwerk использовали как вступление в туре Computer World). Благодаря этому Венди Карлос повлияла на многих андеграундных электронных музыкантов.

Бивер и Краузе были представлены друг другу Джеком Хольцманом из Elektra Records, который был заинтересован в развитии электронной музыки и интуитивно чувствовал, что из этого получится что-то глобальное. Первый альбом Beaver & Krause был в-основном техническим представлением модульной системы Moog. Он стал визитной карточкой дуэта, который продолжил создавать электронную музыку (где стало больше собственно песен, чем демонстрации технических навыков), и был техническим консультантом различных суперзвезд. Хотя альбом был выпущен в 1968, его записали в 1967, когда группа продемонстрировала систему Moog Modular III на Monterey Pop Festival, где стало ясно, что синтезатор встретил поп мейнстрим.

Вместе со своей экспериментальной рок-группой The United States Of America Джо Бёрд (Joe Byrd) намеревался объединить электронику, музыкальный и политический радикализм, и арт перфоманс. Для современного слушателя это звучит похоже на Pink Floyd барретовской эры с максимальным использованием специальных эффектов; и вырисовывается интересная картина, когда электроника подавляет «хипповский» звук. Альбом вышел почти незамеченным, и группа распалась после его выпуска. Но в их политическом радикализме и электронике было что-то, что стало маяком для групп, которые образовались через десять лет в Британии. Рокот и агрессивный нойз были предшественниками того, что делали группы вроде Throbbing Gristle (Джезенис Пи-Орридж имел схожий радикализм 60х, так как был старше, чем многие его современники по электронной музыке), указав на более беспокойное будущее для внедрения электронной музыки в поп.

Группа, состоящая из Симеона и Дэна Тейлора, почти полностью выбилась из рок музыки поздних 1960-х. Симеон использовал осцилляторы и фильтры, играя на них руками, ногами и локтями (из-за этого его несколько раз его чуть не убило электрическим током), а также пел необычно резким голосом и играл на ударных ритмы, вдохновленные джазом.

В те странные времена этого было достаточно, и группа подписала контракт с небольшим лейблом Kapp. Они записали музыку, которую с удовольствием слушают и в наше время, и Симеон после очень долгого перерыва вернулся с новым составом Silver Apples. Дэнни и Симеон воссоединились на нескольких концертах в 1990х, а в 2005 Дэнни умер.

Два альбома Silver Apples были созданы в важное время для электронной музыки. Они были забыты надолго, до того времени, пока их новаторское искусство не было снова открыто и высоко оценено. Симеон сотрудничал с Portishead, а также как Simeon-Qluster с Роделиусом (Roedelius). Не следует путать их с альбомом Morton Subotnick Silver Apples Of The Moon 1968 года, ещё одной вехой в электронной музыке, который является более доступным.
«Я взял название Silver Apples из поэмы Йетса ‘Песня Скитальца Энгуса (The Song Of Wandering Aengus)» – говорил Симеон. Он никогда не слышал о Morton Subotnick, который также ссылался на поэму Йетса при названии своего альбома. Что ж, это всё проясняет.

В 1960-х Америка возглавляла шествие электронной музыки. Боб Муг создал свою модульную систему и получил патент на низкочастотный фильтр. Слово ‘Moog’ было синонимом самой идеи этой музыки, электронная музыка была музыкой Муга; и также во-многом благодаря Beaver & Krause возрастала его популярность.

Ключевую поддержку в то время могла оказать только одна группа в поп-музыке — The Beatles. В конце 1968 Джордж Харрисон был в Лос-Анджелесе, чтобы продюсировать нового артиста Apple Джеки Ломакса (Jackie Lomax). Также был привлечён Берни Краузе с его Moog III. Харрисон попросил Краузе остаться после сессии и показать ему эту сложную машину и, не говоря ему, записал эту демонстрацию.
Впечатлённый Джордж купил Moog III и привёз его в Британию, где начал экспериментировать; и записал произведение Under The Mersery Wall, наложив две Moog-импровизации. Харрисон объединил композицию с записью демонстрации Берни Краузе, сделанную в Лос-Анджелесе (назвав её No Time Or Space), и это стало вторым (и последним) релизом на экспериментальном лейбле Apple под названием Zapple.

Краузе не понравилось, что его музыку присвоили, но, не желая подавать в суд, он настоял на том, чтобы его имя не значилось на обложке (хотя позже он всё же подал на Харрисона в суд — прим. перев). Неудивительно, что альбом не попал в чарты, но Moog Харрисона использовался для создания более мелодичных эффектов на Abbey Road, например в Because, Here Comes The Sun, мелодия в Maxwell’s Silver Hammer, а также белый шум, в котором тонет I Want You (She’s So Heavy). Время Муга окончательно пришло.

Сотрудники BBC Radiophonic Workshop Делия Дебошир и Брайан Ходжсон искали разные способы подзаработать, и их боссы давали им такую возможность: в этот раз им довелось работать с американским музыкантом Дэвидом Ворхаусом (David Vorhaus).

Они записали альбом, содержащий электронные композиции и манипуляции с плёнками под именем White Noise, который стал культовым хитом, но не принёс достаточно денег, и Дебошир и Ходжсон покинули проект. Со временем репутация альбома росла, и сейчас он является классикой британской электронной музыки.

Длящийся всего 25 минут, Music To Moog By — это коммерческий синтезаторный альбом кавер-версий, который включает пару номеров Леннона и Маккартни (Nowhere Man и Paperback Writer), народные песни и композиции самого Кингсли, который когда-то работал с Джоном Кейджем. На симпатичной обложке изображен коллаж из цветочного горшка в виде синтезатора Moog, откуда растут красочные цветы с листьями, сделанными из фотографий женской груди. Это всё ещё был 1969 год.

Кингсли уже был известен как композитор электронной музыки благодаря работе с Жан-Жаком Перре (The In Sound From Way Out 1966 года). Француз Перре (Jean-Jacques Perrey) был проводником между американской электронной музыкой и европейской традицией. Он был другом Джорджа Дженни (George Jenny), который создал электронный клавишный инструмент Ondioline в 1941 году, и он демонстрировал этот предшественник синтезатора во многих местах, от Франции до США.

Music To Moog By был примечателен композицией Pop Corn, которая была перезаписана и издана синглом (Popcorn) группой Hot Butter в 1972 году. Песня стала международным хитом и показала всем домохозяйкам, слушающим Radio 2, прелесть электронной музыки.

Гершон Кингсли основал The First Moog Quartet в 1970 году для демонстрации синтезатора Moog вживую. Они стали первой группой, исполняющей электронную музыку в престижном Карнеги-Холле в Нью-Йорке. Затем Кингсли продолжил карьеру как классический композитор, умело это продемонстрировав в компиляции 2006 года God Is A Moog.

В качестве любопытного постcкриптума: c развитием интернета и созданием MP3 какое-то время композицию Popcorn приписывали Kraftwerk.

Это демонстрирует, как четверка из Дюссельдорфа у многих ассоциируется с электронной музыкой, какой бы она ни была.

Саундтрек к гангстерскому фильму Николаса Роуга и Дональда Кэммела состоит из работ звезды фильма Мика Джаггера, Рэнди Ньюмана, Баффи Сент-Мари, Рэя Кудера, The Last Poets и композитора Джека Ницше. Тем не менее, вклад Берни Краузе на треке Performance, где он использовал Moog – расстроенная «плавающая» басовая нота, прерываемая вспышками белого шума — ключевой момент в поп истории.

Представление – очень хипповый фильм, ставший андеграундным после выпуска, и сейчас считающийся обязательным к просмотру для любого уважающего себя поклонника поп культуры. Благодаря сильным образам вместе с атмосферными «синтетическими» композициями, Представление имел влияние за пределами кинематографа. Вы можете услышать эти отголоски в боуиевском Station To Station и страшном, психотропном саунде Throbbing Gristle, и это всего лишь пара примеров.