Fire and Water (1970)
- Fire And Water
- Oh I Wept
- Remember
- Heavy Load
- Mr. Big
- Don't Say You Love Me
- All Right Now
- Fire And Water
- Mr. Big
- All Right Now
- Remember
- Mr. Big
- Don't Say You Love Me
- All Right Now
Группа Free не меняла правил игры, как Битлы, не была новатором, как Роллинги, её участники не приобрели статус божества, как Хендрикс, и всё же именно им удалось воплотить в музыке атмосферу начала 70-х. В то время участники группы были до невозможности молоды и удивительно талантливы, и на альбоме Fire and Water им удалось создать нечто особенное и волшебное.
Несмотря на то, что участники группы работали над альбомом в промежутке между выступлениями, им удалось выразить в своей музыке атмосферу душевности. «К тому времени мы научились делать так, чтобы музыка дышала, научились плыть по течению и стали позволять музыке диктовать свой темп», — говорил Роджерс.
Главной отличительной чертой группы был отказ от упрощения музыки: «Мы с уважением относились к Cream и Хендрикс, но главным образом на нас оказали чернокожие американцы вроде Би Би Кинга, Арены Франклин и Отиса Реддинга». Грубо говоря, они вдохновлялись не блюзом, а соул музыкой, и на альбоме Fire and Water влияние этого жанра очень чувствуется — Free доказали, что белые музыканты не только могут петь блюз, но и создавать мощный соул.
Встречу с Полом Коссоффом Роджерс называет судьбоносной: «Нас объединяла глубокая любовь к блюзу, до нашего знакомства мы слушали одни и те же пластинки: Live at the Regal Би Би Кинга, Born Under a Bad Sign Альберта Кинга и другие». К тому моменту Коссофф уже считался частью поколения блестящих английских блюзовых гитаристов: в отличие от тех, кто на исходе 60-х отдавал предпочтение ярким риффам, Пол считал главным в игре на гитаре чувства. В одном из своих интервью Роджерс вспоминал, что его товарищ по команде всегда пользовался усилителем Leslie, и именно оттуда родилось его «органное» звучание. «Он играл каждую ноту так, будто от этого зависела его жизнь».
Альбом был важен не благодаря своей смеси музыкальных стилей, а тому, как он передавал настроения того времени. Возможно это совпадение, что группа Free была популярной в эпоху хиппи, но название группы и музыка в первую очередь ассоциировалась со свободой, свободой от черно-белого мира начала 70-х, в мире, где правила любовь и длинные волосы.
Песня All Right Now, возможно, была самой первой постмодернистской композицией в роке. Строчка, в которой говорилось «о попытке обманом заставить влюбиться», была признанием прагматизма в мире, где всё еще звучали слова о том, что нам нужно — это любовь. Кроме того, в песне звучит отличный рифф.
К сожалению, после прихода коммерческого успеха, творчество группы пошло на спад, будто группа лишилась своей «музыкальной свободы».
В 1972 году Free распались, но за последующие 40 с лишним лет их статус как одной из групп, определивших отрочество рока, померк. Как бы то ни было, это вечная пластинка. Как говорил Энди Фрейзер в интервью 2012 года: «Послушайте Fire and Water, и то, что вы услышите, расскажет вам не вовсе о 1970, а о сегодняшнем и завтрашнем днях. Возможно, у группы Free нет того наследия, которого она заслуживает, но зато у всех нас остается — волшебные ворота, где все будет в порядке, детка».
Мария Новикова
Emerson, Lake & Palmer (1970)
- The Barbarian
- Take A Pebble
- Knife Edge
- The Three Fates - Clotho (Royal Festival Hall Organ), Lachesis (Piano Solo), Atropos (Piano Trio)
- Tank
- Lucky Man
- The Barbarian
- Take A Pebble
- Knife-Edge
- Promenade
- The Three Fates: Atropos
- Rave Up
- Drum Solo
- Lucky Man
- Take A Pebble
- Knife-Edge
- Lucky Man
- Lucky Man
Строго говоря, это не первый альбом в жанре прог-рока, да и не первый случай, когда музыку создавала супергруппа. Этот релиз во многом служит олицетворением как жанра, так и концепции супергруппы. Он остается одним из самых значимых рок-альбомов всех времён. Take a Pebble, Knife Edge, Tank и The Barbarian — это ядерная смесь рок-музыки с американским джазом и европейской классической музыки.
Так как ELP стала одной из первых супергрупп, её часто сравнивали с американской Crosby, Stills and Nash. Кит Эмерсон: «Супергруппой нас назвали медиа, в то время это слово было такое же заезженное, как и психоделика. Нас всё время сравнивали с CSN&Y из-за того, что наше название тоже было аббревиатурой наших имён».
Карл Эмерсон считал альбом дерзким для своего времени: «У каждого из нас было по одной композиции на альбоме: Lucky Man от Грега, Tank от меня и The Three Fates от Кита. Поэтому я не знал, что ожидать от альбома. Дерзкий и откровенный, он звучал очень свежо в 1970, а песни Knife Edge и Barbarian всё еще мои любимые концертные треки».
Написание материала для ELP далось группе труднее всего: «мы долго пытались закончить альбом, его вторую инструментальную часть, но я с Грегом не умели вместе писать музыку. Я писал музыку, а он сочинял тексты, но мы никак не могли сработаться. Было очень, очень трудно».
После выхода альбома, именно фолковая баллада Lucky Man сделала группу всемирно известной: радиостанции мгновенно отреагировали, и в течение суток песня зазвучала из приемников по всему миру. По иронии судьбы, трек попал на альбом как бонусный, чтобы увеличить длительность альбома, поэтому музыканты сильно удивились, когда она стала международным хитом.
Мария Новикова
Lizard (1970)
- Cirkus (including Entry of the Chameleons)
- Indoor Games
- Happy Family
- Lady of the Dancing Water
- Lizard (Prince Rupert Awakes/Bolero/The Battle of Glass Tears/Big Top)
Фриппу в 1970 году явно было мало одного сильного альбома, поэтому он почти сразу засел за создание второго. Lizard успел выйти в том же 1970 году и выглядел гораздо сильнее и цельнее предшественника, чем несомненно обращал на себя внимание. К тому же на этом альбоме окончательно заявил о себе как о сильном вокалисте Гордон Хаскелл, который потом станет мировой джазовой знаменитостью. Слово «джаз» тут звучит неслучайно. Из всех альбомов King Crimson, Lizard — самый джазовый по аранжировкам, звуку и составу привлечённых музыкантов. В первую очередь за саксофон отвечает Мэл Коллинз, и хотя тут нет той пронзительной каденции, которую он выдаст 4 года спустя в композиции Starless, его партии здесь максимально насыщенны и подробны. Кроме того, неожиданно сам Фрипп показывает класс игры на акустической гитаре (хотя мы привыкли ассоциировать его скорее с другим инструментом). А постоянный текстовик группы Питер Синфилд вдруг преображается в сатирика и в песне Happy Family раздаёт по серьгам распаду группы The Beatles в начале года.
Однако высшей точки история достигает, конечно, в фантазийном многочастном рассказе о принце Руперте Пфальцском на финальном заглавном треке. Погружение Фриппа в джаз, его сбивчивый ритм и хаотичность импровизации здесь неожиданно встречаются с гобоем Робина Миллера, чтобы подчеркнуть, что события истории происходят во времена барокко и Английской революции. Роберт Фрипп ещё только готовится выпустить одну из величайших музыкальных композиций XX века — Starless, — но на «Ящерице» он впервые подаёт заявку на звание уже не просто великого, но величайшего арт-рок-композитора всех времён.
Григорий Князев
Climbing! (1970)
- Mississippi Queen
- Theme for an Imaginary Western
- Never In My Life
- Silver Paper
- For Yasgur's Farm
- To My Friend
- The Laird
- Sittin' On a Rainbow
- Boys In the Band
- For Yasgur's Farm
Если проследить историю тяжелого рока, то у истоков вы найдёте Лесли Уэста, гитариста и основателя группы Mountain. С начала карьеры в конце 60-х, он был важной персоной в музыкальном мире. Его гитара звучала громко и мощно, полыхая от скорости его пассажей, а голос не знал пощады (фанаты дали ему прозвище «король тона» за уникальный гитарный саунд и «самые толстые пальцы рок-н-ролла»).
Climbing! определяет рубеж двух десятилетий, переход от музыки 60-х в 70-е как ни один другой альбом, продолжая формат и саунд пауэр-трио вроде Cream and Jimi Hendrix Experience, которые доминировали в 60-е, и в то же время вводя элементы только-только зарождающегося в те времена хард-рока.
Хотя Mountain были квартетом, мощнейшие блюз-роковые риффы и громкие пауэр-аккорды Лесли Уэста звучали далеко за гранью возможности четырех музыкантов. А басист Феликс уравновешивал бурные роковые риффы мелодичной игрой на басу. И такое сочетание доказывает, что Mountain были одними из первых и лучших хард-рокеров своего времени. «Я все время работал над гитарным тоном. Я хотел самый жирный, объемный тон, и вибрато, как у виолончели в огромном оркестре. Прошло много времени, прежде чем я сказал «да, это то, как я хочу звучать на каждом концерте».
Climbing! несёт в себе послевкусие Лета любви, а последующие несколько десятилетий доказали, что музыка группы — или по крайней мере песня Mississippi Queen — такая же вечная, как и музыка всех великих групп 60-х.
Мария Новикова
Rides Again (1970)
- Funk #49
- Asshtonpark
- Woman
- The Bomber A: Closet Queen B: Bolero C: Cast Your Fate To The Wind
- Tend My Garden
- Garden Gate
- There I Go Again
- Thanks
- Ashes The Rain And I
Rides Again — первый и самый хитовый альбом классического состава группы James Gang: Джо Уолша (Eagles), Дейла Питерса и Джимми Фокса.
Они отлично сыгрались с первой минуты и Rides Again — альбом, состоящий преимущественно из джемов, которые группа придумывала в гримёрке. Как говорил Питерс: «Мы просто понимали, куда движется каждый из нас с точки зрения музыки. Джо начинал что-нибудь наигрывать. Мы с Джо подстраивались под него. Мы постоянно выступали в клубах по всей стране во время работы над этим альбомом, так что его было легко записывать».
Rides Again стал наиболее полным собранием, отражающим стиль коллектива. В нём были и грубоватые рок-фанк-буги-композиции вроде Woman, и прекрасные акустические мелодии Уолша. Кроме того, именно на этом альбоме находится Funk #49, ставшая знаковой песней начала 70-х.
На этом альбоме Джо Уолш доказал насколько он крутой гитарист. Как говорил Джимми Бокс в интервью Ultimate Classic Rock: «Знаете, есть гитаристы, которые отлично играют на акустике, на электрогитаре или со слайдом, и Джо — единственный человек, которого я знаю, и который в превосходстве владеет всем».
В итоге в 1970 году James Gang знали как лучшую «разогревающую» команду, Funk #49 звучала из радиоприёмников по всей стране. Их сразу же пригласил Пит Таунсенд (The Who) в тур по Англии, но в самой команде ничего не изменилось: они все так же неустанно выступали каждый вечер и никогда не устраивали перерывов.
Они были одной из самых модных групп 1970 года, и сами того не осознавали: Джимми Бокс в интервью Classic Rock описал их как «разношерстную группу раскованных парней, собравшихся вместе и получающих удовольствие».
С Джо Уолшем они записали ещё один альбом, и вскоре он покинул группу. Хотя гитарист никогда откровенно не говорил о прошлом, он намекал, что причиной его ухода стала неспособность состава из трёх человек передать всю мелодичность его музыки.
Мария Новикова
First Step (1970)
- Wicked Messenger
- Devotion
- Shake, Shudder, Shiver
- Stone
- Around the Plynth
- Flying
- Pineapple and the Monkey
- Nobody Knows
- Looking out the Window
- Three Button Hand Me Down
Некоторые критики считают, что First Step был не сильно значимым в дискографии Faces, однако здесь играет первый классический состав группы: Ронни Вуд, Род Стюарт, Иэн Маклэган, Кенни Джонс и Ронни Лейн. Faces были по сути The Small Faces, только с Родом Стюартом и Ронни Вудом.
Да, там есть непосредственные, но классические песни, вроде Around The Plynth и Three Button Hand Me Down. Альбом представляет собой портрет того времени, когда рок-н-ролл был веселым, грязным и громким, написанный музыкантами, полностью увлечёнными своим творчеством. Он все еще остается одной из самых запоминающихся работ группы, где каждая песня имеет свою изюминку.
First Step отражает любовь группы к классическому року с привкусом классической американской музыки. Учитывая то, что Вуд и Стюарт только вышли из студии, записываясь с Джеффом Беком, им еще было чему учиться — вполне объяснимо, почему их первая запись со своей группой звучит немного неряшливо. И это не то чтобы плохо — слышно, что группа пыталась обуздать грубый рок-н-ролльный саунд и совместить с душевным голосом Рода Стюарта и грязным, блюзовым гитарным звучанием Ронни Вуда. И привлекательность этого альбома кроется в его несовершенстве.
Мария Новикова
Лютневая музыка XVI—XVII веков (1970)
- Canzona and Dance
- Spandogletta
- Ave Maria
- Ricercare
- Padoana and Galliard
- Chaconne
- Green Sleeves
- Tourdion
- Pasturella
- Gavotte
- Chanson "De Mon Triste Desplasir"
- Fantasy "De Mon Triste"
- Ricercare No. 74
- Ricercare No. 51
- Ricercare No. 30
Ленинградский гитарист и лютнист Владимир Вавилов к рок-музыке никогда никакого отношения не имел, да и вряд ли слышал когда-то этот самый рок. Но так вышло, что в том же 1970 году он выпустил легендарную пластинку, которая оказала немало влияния на русский рок.
На пластинке Лютневая музыка XVI-XVII веков на самом деле всего две композиции действительно родом из эпохи Возрождения и барокко — это итальянская Спандьолетта и английские Зелёные рукава. Всё остальное, даже если на конверте и был указан сам Франческо ди Милано, не имело к той эпохе никакого отношения. Автором всех произведений был сам Владимир Вавилов. Самоучка без официального композиторского диплома, он ни в какие профессиональные творческие союзы не входил, а потому издавать музыку под своим именем даже и не надеялся. Поэтому он пошёл на сознательную мистификацию. Вскрылась эта информация спустя очень долгие годы благодаря журналисту Зеэву Гейзелю.
Пластинка ещё при выходе имела определённый успех, но настоящая слава пришла даже не к одной из композиций, а к её перепевке из десятых рук. Около 1972 года на мелодию Канцоны (приписанной как раз Франческо ди Милано) написал стихотворение Рай поэт (и скорый эмигрант в Израиль) Анри Волохонский. Затем исполнять эту песню начал друг Волохонского, поэт и художник Алексей Хвостенко. А уже от него через много посредников песню услышал Борис Гребенщиков, чьё исполнение в фильме АССА навсегда обессмертило её как Город золотой. Кстати, это была не единственная композиция Вавилова, воспринятая русским роком. Павана и гальярда стала основой для песни Конь унёс любимого с альбома Чайник вина, записанного Алексеем Хвостенко совместно с АукцЫоном.
Григорий Князев
Morrison Hotel (1970)
- Roadhouse Blues
- Waiting for the Sun
- You Make Me Real
- Peace Frog
- Blue Sunday
- Ship of Fools
- Land Ho!
- The Spy
- Queen of the Higway
- Indian Summer
- Maggie M'Gill
Предыдущий альбом Soft Parade продавался немного хуже, чем рассчитывали лейбл Elektra и сами музыканты. Так что прежние новшества в виде духовой и струнной секции остались в прошлом и группа, как принято говорить, вернулась к корням – честному блюзу и року. Да и фронтмен Джим Моррисон, не прекращая разгульный образ жизни рок-звезды, проявил куда больше ответственности и интереса к записи, чем годом ранее. Этот фактор, пожалуй, самый весомый – когда все составляющие в хорошем состоянии, то и сам механизм работает исправно.
На Morrison Hotel группа предстает в прекрасной форме, выдавая самый горячий блюз-рок в Америке на тот период. Открывающий энергично-нагловатый Roadhouse Blues с отличной губной гармошкой Джона Себастьяна из The Lovin’ Spoonful качает уже с первых тактов, а вот конвульсивный фанк Peace Frog – это уже что-то для группы ранее несвойственное. Бодрые номера сменяются трогательными балладами, спетыми максимально проникновенно (Waiting for the Sun, Blue Sunday, Indian Summer). Не обошлось и без традиционного шаманского блюза (The Spy, Land Ho!) и одной из лучших любовных песен на лирику Джима Queen Of The Highway. Завершается альбом на той же мажорной ноте, что и открывается – роскошный, полный «южного грува» номер Maggie M’Gill вызывает желание прослушать трек, а то и весь альбом еще раз.
Пожалуй, уместно говорить, что альбом зафиксировал группу на самом пике. Это уже давно не ослепительно-дерзкие новички, а матерые рокеры – без преувеличения главная рок-группа континента того момента. И как раз в начале тура в поддержку альбома на коллектив посыпались все беды и несчастья, приведшие к его отмене, скандальному суду над Джимом, информационной войне против него и его же эмиграции в Европу. Но это уже немного другая история.
Александр Нурабаев
The Man Who Sold The World (1970)
- The Width of a Circle
- All the Madmen
- Black Country Rock
- After All
- Running Gun Blues
- Saviour Machine
- She Shook Me Cold
- The Man Who Sold the World
- The Supermen
В 1970 году Дэвид Боуи был мало кому известным исполнителем с одним большим хитом в арсенале – знаменитой фантазией на актуальную тему покорения космоса Space Oddity. Но задатки будущей суперзвезды — склонность к эпатированию и смене музыкальных стилей — начали проявляться именно в начале нового десятилетия. Главным образом этому поспособствовала жена Энжи, с которой Дэвид расписался в марте 1970 года. Все самые смелые и радикальные идеи относительного бисексуального имиджа музыканта – это все благодаря ей. Говоря современным языком, Боуи стал носить женское платье задолго до того как это стало мейнстримом — за 3 года до New York Dolls, как минимум, чем изрядно шокировал благочинную публику городка Бегенгема, где в тот момент проживал. Другим важным событием того года стало начавшееся сотрудничество с гитаристом Миком Ронсоном, внесшего неоценимый вклад в звучание прорывных альбомов Дэвида начала 70-х. И первым в этой череде стал The Man Who Sold The World, с которого началось восхождение Боуи к мировой славе.
Альбом характеризует сильное хард-роковое, риффовое звучание, в духе главных стадионных групп того времени – Black Sabbath и Led Zeppelin, что сильно резонировало с предыдущими релизами артиста. Дэвид примеряет на себя образ рок–звезды и смотрится в нем хоть и не так блестяще и вызывающе, как через пару лет, но весьма органично. Хотя без скандала тут не обошлось — знаменитая обложка с Боуи, возлежащим на софе в платье, наделала немало шума, и в некоторых странах диск вышел с другим оформлением. Помимо тяжелого звучания изменилась и тематика песен — артист заговорил о безумии (All the Madmen), войне во Вьетнаме (Running Gun Blues), всезнающем компьютере (Saviour Machine) и «Мифах Ктулху» Говарда Лавкрафта (The Supermen). Но главной фишкой пластинки стал заглавный трек — одна из самых узнаваемых песен артиста, в которой автор встречается с собой из вчерашнего дня, развивая тем самым тему разотождествления с самим собой, вживанием в альтер-эго, ставшей одной из знаковых в творчестве артиста.
Альбом не стал событием, хоть и собрал положительные отзывы в прессе, причем преимущественно в Америке. Спустя два года, когда зажглась звезда Зигги Стардаста, ранние пластинки Боуи открыла для себя более широкая аудитория. Но отсчет великих альбомов принято вести с последущего Hunky Dory, что отчасти и справедливо. До великого The Man Who Sold The World немного не дотягивает, но пластинка очень достойная. Не зря о ней так мечтала героиня Зои Кравитч из недавнего замечательного сериала High Fidelity.
Александр Нурабаев
Cold Fact (1970)
- Sugarman
- Only Good For Conversation
- Crucify Your Mind
- This Is Not a Song, It's an Outburst: Or, the Establishment Blues
- Hate Street Dialogue
- Forget It
- Inner City Blues
- I Wonder
- Like Janis
- Gommorah (A Nursey Rhyme)
- Rich Folks Hoax
- Jane S. Piddy
В марте 1970 года на небольшом лейбле Sussex, подразделении Buddha Records, вышел дебютный альбом американского рок-барда с мексиканскими корнями Сиксто Родригеса. Выходец из бедных эмигрантских районов Детройта был от природы очень стеснительным, постоянно носил темные очки, длинную шевелюру цвета воронового крыла, обладал даром большого сонграйтера, узнаваемым слегка надтреснутым голосом и должен был стать кем-то вроде «нового Дилана». Но к большому удивлению знатоков и работников лейбла и Cold Fact, и последующий диск Coming From Reality с треском провалились. Старт многообещающей карьеры не состоялся, и Сиксто вскоре отошел от музыки, и последующие десятилетия жил весьма скромной жизнью, зарабатывая тяжелым физическим трудом. А параллельно в разных точках планеты с альбомом происходили фантастические вещи.
В 1976 году несколько тысяч экземпляров Cold Fact были найдены на складе в Нью-Йорке и проданы в Австралию. Там они разошлись в течение нескольких недель. Альбом поднялся на 23 место австралийского чарта, оставаясь там 55 недель к ряду. На волне успеха Сиксто даже съездил в тур по Зеленому Континенту в конце 70-х. Примерно в то же время несколько копий Cold Fact попали в Южную Африку, и среди белого прогрессивного истеблишмента пластинка стала невероятно популярна на том же уровне, что Элвис или Роллинг Стоунз. Его песни стали гимнами борьбы против режима апартеида в Южной Африке, а его творчество серьезно повлияло на многих местных музыкантов. Личность Родригеса была окутана ореолом тайны, что порождало порой массу диких слухов. Ни о платиновых продажах, ни о своем суперзвездном статусе Сиксто не догадывался вплоть до 1998 года, когда пара энтузиастов из ЮАР чудом вышла на его старшую дочь. И уже вскоре Родригес отыграл несколько аншлаговых шоу тысячам восторженных поклонников. Так происходило каждый раз, когда Сиксто туда возвращался. А в родной Америке о музыканте узнали лишь с выходом оскароносной документальной картиной Searching For Sugar Man в 2012 году, в которой рассказана невероятная история Родригеса. После чего Сиксто стали звать на Гластонберри и в шоу Дэвида Леттермана, а оба его диска многократно переиздавали на виниле.
Слушая пластинку сегодня, абсолютно непонятно, как и почему ее постигла такая неудача. Sugar Man, I Wonder, Crucify Your Mind –хиты на все времена. И сам альбом цельный, атмосферный, с искусными аранжировками и сильной лирикой настоящего городского поэта. Cold Fact легко можно поставить в один ряд с лучшими работами Боба Дилана, Нила Янга и CNSY — настолько он хорош. Большое везение, что этот музыкальный клад все-таки не остался погребенным в истории. Лучше, как говорится, поздно, чем никогда
Александр Нурабаев
